Desarrollo de la comedia musical

Desarrollo de la comedia musical

 Años 1850 a 1880
Alrededor de 1850, el compositor francés Hervé estaba experimentando con una forma de teatro musical cómico que llegó a ser llamado oprette. Los compositores más conocidos de la opereta fueron Jacques Offenbach a partir de los años 1850 a los años 1870 y Johann Strauss II en los años 1870 y 1880. Melodías fértiles de Offenbach, junto con la sátira ingeniosa sus libretistas ', forman un modelo para el teatro musical que siguió. En 1957, Mark Lubbock trazó el desarrollo del teatro musical de Offenbach a Gilbert y Sullivan y eventualmente a Irving Berlin y Rodgers y Hammerstein, escribiendo: ". Offenbach es, sin duda, la figura más importante en la historia del" musical "A mediados de los del siglo 19 en Inglaterra, el teatro musical consistió en su mayor parte de la sala de música, adaptaciones de las operetas francesas y burlesques musicales En reacción a estos., unos entretenimientos para la familia fueron creados, como los Entretenimientos Reed alemanes.
En Estados Unidos, la primera obra de teatro original en Inglés que se ajusta a la concepción moderna de un musical, añadiendo danza y la música original que ayudó a contar la historia, se considera generalmente que el ladrón Negro, que se estrenó en Nueva York el 12 de septiembre, 1866 - La producción fue un asombroso de cinco horas y media de tiempo, pero a pesar de su longitud, que corrió para un récord de 474 actuaciones. El mismo año, The Domino Negro/Entre Tú, yo y el Post fue el primer show de llamarse una "comedia musical". Comediantes Edward Harrigan y Tony Hart produjo y protagonizó musicales de Broadway entre 1878 y 1885, con el libro y la letra de Harrigan y música de su suegro David Braham. Estas comedias musicales destacados personajes y situaciones tomadas de la vida cotidiana de las clases bajas de Nueva York y representó un paso significativo desde Burletta, demostraciones de trovador, sala de música y burlesque, hacia una forma teatral más legítimo. Ellos protagonizaron cantantes de alta calidad en lugar de las damas de dudosa reputación que se había estrellado en las formas musicales anteriores.
La longitud de los recorridos en el teatro cambió rápidamente alrededor del mismo tiempo que el musical moderno surgió. Como mejorar el transporte, la pobreza en Londres y Nueva York disminuido, y el alumbrado público hace más seguro para viajar por la noche, el número de clientes potenciales para el creciente número de teatros aumentó enormemente. Juegos podía correr más y todavía atraer a las audiencias, lo que lleva a mayores ganancias y mejores valores de producción. El primer juego para lograr 500 actuaciones consecutivas fue la comedia de Londres Nuestros Niños, la apertura en 1875, que estableció un nuevo récord asombroso de 1.362 actuaciones. Esta carrera no fue igualado en la escena musical hasta la Primera Guerra Mundial, pero el teatro musical pronto se rompió la marca de 500 resultados en Londres, sobre todo por la serie de más de una docena-de larga data de Gilbert y Sullivan para familias éxitos ópera cómica, incluyendo HMS Pichi en 1878 y El Mikado en 1885 - Estas fueron las sensaciones de ambos lados del Atlántico y, junto con los otros cambios en el teatro, elevaron el nivel de lo que se consideraba una carrera exitosa. Sólo unas pocas piezas musicales del siglo 19 superaron la carrera del Mikado: The Chimes of Normandy corrió para 705 actuaciones en 1878 en Londres y Alfred Cellier y 1886 el golpe de BC Stephenson, Dorothy, estableció un nuevo récord con 931 actuaciones.
Gilbert y la influencia de Sullivan en el teatro musical más tarde fue profunda, que den ejemplos de cómo se "integran" musicales para que las letras y el diálogo fueron diseñados para avanzar en una historia coherente. Sus trabajos fueron admirados y copiados por los primeros autores y compositores de musicales como Ivan Caryll, Lionel Monckton, PG Wodehouse y Victor Herbert, y más tarde Jerome Kern, Ira Gershwin, Lorenz Hart, Alan Jay Lerner, Yip Harburg, Irving Berlin, Ivor Novello, Oscar Hammerstein II y Andrew Lloyd Webber. Otros compositores británicos de la década de 1870 y 1880 incluyen Edward Solomon y F. Osmond Carr. Los shows británicos más populares, a partir de las óperas Savoy, también disfrutaron rentables producciones de Nueva York y los circuitos de Gran Bretaña, Estados Unidos, Europa, Australia y Sudáfrica. Estos espectáculos eran tarifa para el público "respetables", un marcado contraste de las parodias risqu, melodramas, shows minstrel shows, música obscenas sala y operetas francesas que dominaban el escenario antes de Gilbert y Sullivan, y atrajo a una multitud a veces cutre buscando menos saludables entretenimiento.
 1890 en el nuevo siglo
Charles Hoyt es un viaje a Chinatown fue campeón de largo plazo de Broadway, corriendo para 657 actuaciones. Gilbert y óperas cómicas de Sullivan fueron los dos piratas e imitados en Nueva York por producciones como Robin Hood de Reginald de Koven y de John Philip Sousa El Capitan. Un viaje a Coontown fue la primera comedia musical totalmente producido y realizado por los afroamericanos en un teatro de Broadway, seguido por el Clorindy ragtime con tintes, o el origen del Cakewalk y el gran éxito en Dahomey. Cientos de comedias musicales se organizaron en Broadway en la década de 1890 y principios del siglo 20 compuesto por canciones escritas en Tin Pan Alley de Nueva York de compositores como Gus Edwards, John Walter Bratton y George M. Cohan. Sin embargo, Nueva York ejecuta continuó siendo relativamente corto, con unas pocas excepciones, en comparación con Londres se ejecuta, hasta la década de 1920. Tours, sin embargo, a menudo extensa, comenzando con el elenco original de Broadway.
Mientras tanto, los musicales se habían extendido a los escenarios de Londres en los años noventa gay. George Edwardes había dejado la gestión de Savoy Theatre de Richard D'Oyly Carte. Él se hizo cargo del teatro de la alegría y, al principio, mejoró la calidad de las viejas parodias. Se dio cuenta de que el público quería una nueva alternativa a las óperas cómicas al estilo de Saboya y su desarrollo intelectual,, sátira política absurda. Él experimentó con un familiar de teatro musical moderno vestido, con, canciones populares, ventosos rápido, bromas romántica, y el espectáculo elegante al Gaiety Theatre de Daly y otros lugares,. Éstas se basaron en las tradiciones de la ópera cómica y también utilizaron elementos de burlesque y del Harrigan y Hart piezas. Volvió a colocar a las mujeres indecentes de burlesque con su cuerpo "respetable" de la danza, el canto alegría de las niñas para completar la diversión musical y visual. El éxito de la primera de ellas, en la ciudad en 1892 y una muchacha de la alegría en el año 1893, confirmó Edwardes en el camino que estaba tomando. Estos "comedias musicales", como él los llamaba, revolucionó los escenarios de Londres y marcó la pauta para las próximas tres décadas.
Alegría temprana Edwardes "hits incluyó una serie de la luz, romántico" pobre doncella ama aristócrata y gana él contra viento y marea "muestra, por lo general con la palabra" Girl "en el título, incluyendo The Girl Shop y una muchacha del fugitivo, con música de Ivan Caryll y Lionel Monckton. Estos shows fueron inmediatamente imitados en otros teatros de Londres, y la comedia musical eduardiana barridas las formas musicales antes de la ópera cómica y opereta. En el teatro del Daly, Edwardes presentan éxitos de comedia un poco más complejas. La Geisha por Sidney Jones, con letra de Harry Greenbank y Adrian Ross y luego Jones 'San Toy cada duró más de dos años y también tuvo gran éxito internacional, por ejemplo en las producciones australianas por JC Williamson.
La comedia musical británica Florodora por Leslie Stuart y Paul Rubens hizo un chapoteo en ambos lados del Atlántico, al igual que una luna de miel china, por el letrista británico George Danza y nacido en Estados Unidos el compositor Howard Talbot, que duró un impresionante 1.074 actuaciones en Londres y 376 en Nueva York. La historia trata de parejas que de luna de miel en China y sin querer romper las leyes que se besan. La belleza de Nueva York corrió para 697 actuaciones en Londres, después de una breve carrera de Nueva York, convirtiéndose en el primer estadounidense musical para ejecutar más de un año en Londres. Después de la vuelta del siglo 20, Seymour Hicks escribió espectáculos populares con el compositor Charles Taylor y otros, y Edwardes y Ross siguió batir hacia fuera éxitos como El Toreador, una chica de campo, la orquídea, las chicas de Gottenberg y Our Miss Gibbs. Otros éxitos de comedia musical eduardiana incluyen La Arcadia y la muchacha cuáquera.

Guerra Mundial y Opereta

Virtualmente eliminado de la fase de habla Inglés por la competencia de las omnipresentes comedias musicales eduardianas en la década de 1890, operetas regresaron a Londres y Broadway en 1907 con La viuda alegre y operetas y musicales se convirtieron en competidores directos por un tiempo. En los primeros años del siglo 20, las adaptaciones idioma Inglés del 19 operetas continental del siglo, así como operetas de una nueva generación de compositores europeos, como Franz Lehr y Oscar Straus, entre otros, repartidos a lo largo de los países de habla Inglés mundo. En Estados Unidos, Victor Herbert produjo una serie de operetas famosas, a menudo con el libretista Harry B. Smith, así como algunas obras de teatro musicales íntimas con un entorno moderno. En los países de habla Inglés, durante la Primera Guerra Mundial, la opereta en alemán perdió su popularidad.
Entre otros compositores y libretistas británicos y estadounidenses de la década de 1910, el equipo de PG Wodehouse, Guy Bolton y Jerome Kern se destacó. Siguiendo los pasos de Gilbert y Sullivan, su "Princess Theatre muestra" allanó el camino para el trabajo posterior de Kern, mostrando que un musical podría combinar la luz, el entretenimiento popular entre la continuidad entre su historia y canciones:
 "Estos programas construidos y pulen el molde de la que casi todos los grandes comedias musicales más tarde evolucionaron .... Los personajes y las situaciones eran, dentro de las limitaciones de la licencia de la comedia musical, creíbles y el humor provienen de las situaciones o de la naturaleza de los personajes. melodías exquisitamente fluyen de Kern fueron empleados para promover la acción o el desarrollo de la caracterización. La integración de la canción y la historia se anuncia periódicamente como un gran avance en el ... teatro musical. Gran ópera siempre ha hecho esto, y es fácil de demostrar como la integración en Gilbert y Sullivan y la ópera bufa francesa. Sin embargo, la comedia musical temprana era a menudo culpable de introducir canciones en forma de acertar o perder. Los musicales Princess Theatre provocaron un cambio de enfoque. PG Wodehouse, el más atento, culto e ingenioso letrista de su tiempo, y el equipo de Bolton, Wodehouse y Kern tuvieron una influencia que se puede sentir hasta nuestros días.
El público teatral de entretenimiento escapista necesario durante los oscuros tiempos de la Primera Guerra Mundial, y ellos acudieron al teatro. Harry Tierney y de Joseph McCarthy 1919 hit musical Irene corrieron para 670 actuaciones - un récord de Broadway que ocupó hasta Hellzapoppin de 1938. El público británico apoya mucho más tiempo corre como el de limpieza de las montañas y especialmente Chu Chin Chow. Su carrera de 2.238 actuaciones fue más del doble que cualquier musical anterior, estableciendo un récord que permaneció casi cuarenta años, hasta Salad Days. Revistas como The Bing muchachos están aquí en Gran Bretaña, y las críticas de Florenz Ziegfeld y sus imitadores en Estados Unidos, también eran extraordinariamente popular. Una nueva generación de compositores de operetas surgió en la década de 1920, como Rudolf Friml y Sigmund Romberg.
La primacía del teatro musical británica desde el siglo 19 hasta 1920 fue sustituida gradualmente por la innovación estadounidense en el siglo 20. Competidor y contraparte en los EE.UU. Edwardes 'fue Charles Frohman y su Sindicato Teatral. George M. Cohan y de espectáculos musicales de Herbert después del cambio de siglo dieron paso a los espectáculos Princess Theatre y una profusión de otros musicales como Kern y otros Tin Pan Alley compositores comenzaron a traer nuevos estilos musicales como el ragtime y el jazz de los teatros. Revistas populares de Florenz Ziegfeld generaron imitadores. Los Hermanos Shubert tomaron el control de los teatros de Broadway después de la guerra como nuevos autores como los hermanos Gershwin, Irving Berlin y Rodgers y Hart comenzó a producir espectáculos. Notas musicales de teatro escritor Andrew Lamb, "El triunfo de las obras estadounidenses más europea de las primeras décadas del siglo XX se produjo en un contexto social cambiante. Los estilos operísticos y teatrales de las estructuras sociales del siglo XIX fueron reemplazados por un estilo musical más acertadamente adaptado a la sociedad del siglo XX y su expresión vernácula. Era de América que el estilo más directo surgió, y en América que fue capaz de florecer en una sociedad en desarrollo menos rígido por la tradición del siglo XIX ".

Los violentos años veinte y la Gran Depresión

Los musicales de los años veinte, prestatarios de vodevil, music hall y otros entretenimientos ligeros, tendían a enfatizar los actores y actrices, estrellas grandes rutinas de baile, y canciones populares, a expensas de la trama. Típico de la década fueron producciones alegres como Sally, Lady Be Good, Sunny, no, no, Nanette, Oh, Kay;! Y Cara divertida. Mientras que los libros de estos programas pueden haber sido olvidables, se presentaron estrellas como Marilyn Miller y Fred Astaire y docenas producidas de canciones populares duraderas de, sobre todo, Jerome Kern, los hermanos Gershwin, Irving Berlin, Cole Porter, Vincent Youmans, y Richard Rodgers y Lorenz Hart. A lo largo de la primera mitad del siglo 20, la música popular estaba dominado por compositores de teatro musical y letristas. Estas musicales y las normas que producían, incluyendo "Ritmo Fascinante", "Tea for Two" y "Someone to Watch Over Me", se hizo popular en ambos lados del océano Atlántico.
Muchos espectáculos eran revistas, series de dibujos y canciones con poca o ninguna conexión entre ellos. El más conocido de éstos eran los Ziegfeld Follies anuales, canciones espectaculares y revistas de baile en Broadway con conjuntos extravagantes, trajes elaborados y hermosas coristas. Estas gafas también elevaron los valores de producción y montaje de un musical en general se encarecieron. Arrastrar los pies, un espectáculo a todo el continente americano fue un éxito en Broadway. En Londres, las estrellas como el Ivor Novello y Nol Coward hizo popular. Mientras tanto, operetas, que había estado casi ausente de la escena de habla Inglés desde la Primera Guerra Mundial, tuvo una última explosión de la popularidad, las obras de compositores europeos continentales tuvieron éxito, como lo fueron las de Sigmund Romberg y Rudolf Friml en Estados Unidos, que incluyó Rose -Marie y El príncipe estudiante respectivamente. El último golpe de opereta de la época en Broadway fue Romberg de la Luna Nueva en 1928.
Avanzando más allá de los musicales comparativamente frívolas y operetas sentimentales de la década, Show Boat, que se estrenó el 27 de diciembre 1927 en el Teatro Ziegfeld en Nueva York, representa una integración más completa del libro y la puntuación de los musicales Princess Theatre, con dramática temas contadas a través de la música, el diálogo, la configuración y el movimiento. Esto se logró combinando el lirismo de la música de Kern con el arte magistral de Oscar Hammerstein II, que adaptó la novela de Edna Ferber y escribió letras para el espectáculo. Un historiador escribió: "Aquí llegamos a un género completamente nuevo -. La obra de teatro musical que se distingue de la comedia musical ahora ... la obra era la cosa, y todo lo demás estaba subordinado a que el juego ahora ... vino la integración completa de. canto, humor y la producción de números en una entidad artística única e inextricable ". Sin embargo, Bordman argumenta, "Show Boat es ciertamente una opereta, con sus numerosos pasajes Arioso, su profundidad musical y seriedad, y su conjunto historia romántica, al estilo típico de la opereta, en el hace mucho tiempo y muy lejos." Sin embargo, como la Gran Depresión ocupa durante la gira nacional post-Broadway Show Boat, el público se volvió hacia la luz, de latón, entretenimiento escapista, y no de seguimiento se produjo el tratamiento tan en serio los temas sociales graves hasta Oklahoma! en el año 1943.
La película montado un desafío a los escenarios. Al principio, las películas eran silenciosas y presentan una competencia limitada al teatro. Pero a finales de la década de 1920, películas como El cantor de Jazz podrían presentarse con sonido sincronizado. Películas "Talkie" a precios bajos asesinados efectivamente fuera del vodevil a principios de los años 1930. El historiador John Kenrick comentó. "Top vaudeville estrellas filmado sus actos de una sola vez sobornos, inadvertidamente ayudando a acelerar la muerte de vaudeville Después de todo, cuando los teatros" pequeño tiempo "podrían ofrecer los artistas 'lo grande' en la pantalla en una moneda un asiento, que se puede pedir al público a pagar cantidades más altas para menos impresionante talento en vivo? "
 1930
La Gran Depresión afectó público teatral en ambos lados del Atlántico, ya que la gente tenía poco dinero para gastar en entretenimiento. Sólo unos pocos etapa muestra superó una carrera en Broadway o en Londres de 500 actuaciones durante la década.
Muchos programas siguen la canción ligera y el estilo de baile de sus predecesores 1920. La revista The Band Wagon protagonizó bailando socios Fred Astaire y su hermana Adele, mientras Anything Goes de Cole Porter confirmó la posición de Ethel Merman como la primera dama del teatro musical - un título que mantuvo durante muchos años. Escritores británicos como Coward Nol y Ivor Novello continuó proporcionando pasado de moda, musicales sentimentales, como los años de baile. Del mismo modo, Rodgers y Hart regresó de Hollywood para batir a cabo una serie de éxitos de Broadway, incluyendo On Your Toes, Babes In Arms, y los chicos de Siracusa, y Cole Porter escribió una cadena similar de éxitos, entre ellos todo vale y DuBarry era una dama . La pieza más larga duración del teatro musical de la década de 1930 fue Hellzapoppin, una revista con participación del público, que jugó en el 1404 actuaciones, estableciendo un nuevo récord de Broadway que fue finalmente derrotado por Oklahoma! cinco años más tarde.
Sin embargo, algunos equipos creativos comenzaron a construir en las innovaciones Show Boat, experimentando con la sátira musical, libros de actualidad y alcance operístico. Of Thee I Sing, una sátira política con música de George Gershwin y letra de Ira Gershwin y Morrie Ryskind, era el primer musical en recibir el Premio Pulitzer. Como miles Cheer, una revista de Irving Berlin y Moss Hart en el que cada canción o croquis se basó en un titular de prensa, fue la primera obra de Broadway en la que un afro-americano, Ethel Waters, protagonizó junto a actores blancos. Número de Waters incluyen "Time Cena", el lamento de una mujer por su marido, que ha sido linchado. Porgy and Bess, de los hermanos Gershwin y DuBose Heyward, ofrecieron un elenco africano-americano y se mezcla ópera, folk, jazz y modismos. Ha entrado en el repertorio de ópera permanente y, en algunos aspectos, que anunciaba las comedias musicales "de ópera" como West Side Story y Sweeney Todd. The Cradle Will Rock, con un libro y la puntuación de Marc Blitzstein y dirección de Orson Welles, era una pieza pro-sindical altamente política que, a pesar de la controversia que lo rodea, logró correr para 108 actuaciones. Richard Rodgers y Larry Hart Sería bastante derecha era una sátira política con George M. Cohan como Presidente Franklin D. Roosevelt, y el Holiday Knickerbocker de Kurt Weill, basada en los escritos de origen por Washington Irving, representan la historia temprana de la ciudad de Nueva York, mientras que buena naturalidad satirizando las buenas intenciones del presidente Franklin D. Roosevelt.
A pesar de los problemas económicos de la década y la competencia de la película, el musical sobrevivió. De hecho, la tendencia a la sátira política Of Thee I Sing, Sería bastante Holiday derecho y Knickerbocker, junto con la sofisticación musical de Gershwin, Kern, Rodgers y musicales Weill y la puesta en escena de ritmo rápido y de estilo de diálogo naturalista creado por el director George Abbott, demostró que el teatro musical estaba empezando a evolucionar más allá de los gags y coristas musicales de los años noventa homosexuales y locos años veinte y el romance sentimental de la opereta.

Fuente: http://centrodeartigo.com/articulos-para-saber-mas/article_52672.html