Teatro Musical INDEX

Estudiantes INDEX hacen teatro musical

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Desarrollo de la comedia musical

Desarrollo de la comedia musical

 Años 1850 a 1880
Alrededor de 1850, el compositor francés Hervé estaba experimentando con una forma de teatro musical cómico que llegó a ser llamado oprette. Los compositores más conocidos de la opereta fueron Jacques Offenbach a partir de los años 1850 a los años 1870 y Johann Strauss II en los años 1870 y 1880. Melodías fértiles de Offenbach, junto con la sátira ingeniosa sus libretistas ', forman un modelo para el teatro musical que siguió. En 1957, Mark Lubbock trazó el desarrollo del teatro musical de Offenbach a Gilbert y Sullivan y eventualmente a Irving Berlin y Rodgers y Hammerstein, escribiendo: ". Offenbach es, sin duda, la figura más importante en la historia del" musical "A mediados de los del siglo 19 en Inglaterra, el teatro musical consistió en su mayor parte de la sala de música, adaptaciones de las operetas francesas y burlesques musicales En reacción a estos., unos entretenimientos para la familia fueron creados, como los Entretenimientos Reed alemanes.
En Estados Unidos, la primera obra de teatro original en Inglés que se ajusta a la concepción moderna de un musical, añadiendo danza y la música original que ayudó a contar la historia, se considera generalmente que el ladrón Negro, que se estrenó en Nueva York el 12 de septiembre, 1866 - La producción fue un asombroso de cinco horas y media de tiempo, pero a pesar de su longitud, que corrió para un récord de 474 actuaciones. El mismo año, The Domino Negro/Entre Tú, yo y el Post fue el primer show de llamarse una "comedia musical". Comediantes Edward Harrigan y Tony Hart produjo y protagonizó musicales de Broadway entre 1878 y 1885, con el libro y la letra de Harrigan y música de su suegro David Braham. Estas comedias musicales destacados personajes y situaciones tomadas de la vida cotidiana de las clases bajas de Nueva York y representó un paso significativo desde Burletta, demostraciones de trovador, sala de música y burlesque, hacia una forma teatral más legítimo. Ellos protagonizaron cantantes de alta calidad en lugar de las damas de dudosa reputación que se había estrellado en las formas musicales anteriores.
La longitud de los recorridos en el teatro cambió rápidamente alrededor del mismo tiempo que el musical moderno surgió. Como mejorar el transporte, la pobreza en Londres y Nueva York disminuido, y el alumbrado público hace más seguro para viajar por la noche, el número de clientes potenciales para el creciente número de teatros aumentó enormemente. Juegos podía correr más y todavía atraer a las audiencias, lo que lleva a mayores ganancias y mejores valores de producción. El primer juego para lograr 500 actuaciones consecutivas fue la comedia de Londres Nuestros Niños, la apertura en 1875, que estableció un nuevo récord asombroso de 1.362 actuaciones. Esta carrera no fue igualado en la escena musical hasta la Primera Guerra Mundial, pero el teatro musical pronto se rompió la marca de 500 resultados en Londres, sobre todo por la serie de más de una docena-de larga data de Gilbert y Sullivan para familias éxitos ópera cómica, incluyendo HMS Pichi en 1878 y El Mikado en 1885 - Estas fueron las sensaciones de ambos lados del Atlántico y, junto con los otros cambios en el teatro, elevaron el nivel de lo que se consideraba una carrera exitosa. Sólo unas pocas piezas musicales del siglo 19 superaron la carrera del Mikado: The Chimes of Normandy corrió para 705 actuaciones en 1878 en Londres y Alfred Cellier y 1886 el golpe de BC Stephenson, Dorothy, estableció un nuevo récord con 931 actuaciones.
Gilbert y la influencia de Sullivan en el teatro musical más tarde fue profunda, que den ejemplos de cómo se "integran" musicales para que las letras y el diálogo fueron diseñados para avanzar en una historia coherente. Sus trabajos fueron admirados y copiados por los primeros autores y compositores de musicales como Ivan Caryll, Lionel Monckton, PG Wodehouse y Victor Herbert, y más tarde Jerome Kern, Ira Gershwin, Lorenz Hart, Alan Jay Lerner, Yip Harburg, Irving Berlin, Ivor Novello, Oscar Hammerstein II y Andrew Lloyd Webber. Otros compositores británicos de la década de 1870 y 1880 incluyen Edward Solomon y F. Osmond Carr. Los shows británicos más populares, a partir de las óperas Savoy, también disfrutaron rentables producciones de Nueva York y los circuitos de Gran Bretaña, Estados Unidos, Europa, Australia y Sudáfrica. Estos espectáculos eran tarifa para el público "respetables", un marcado contraste de las parodias risqu, melodramas, shows minstrel shows, música obscenas sala y operetas francesas que dominaban el escenario antes de Gilbert y Sullivan, y atrajo a una multitud a veces cutre buscando menos saludables entretenimiento.
 1890 en el nuevo siglo
Charles Hoyt es un viaje a Chinatown fue campeón de largo plazo de Broadway, corriendo para 657 actuaciones. Gilbert y óperas cómicas de Sullivan fueron los dos piratas e imitados en Nueva York por producciones como Robin Hood de Reginald de Koven y de John Philip Sousa El Capitan. Un viaje a Coontown fue la primera comedia musical totalmente producido y realizado por los afroamericanos en un teatro de Broadway, seguido por el Clorindy ragtime con tintes, o el origen del Cakewalk y el gran éxito en Dahomey. Cientos de comedias musicales se organizaron en Broadway en la década de 1890 y principios del siglo 20 compuesto por canciones escritas en Tin Pan Alley de Nueva York de compositores como Gus Edwards, John Walter Bratton y George M. Cohan. Sin embargo, Nueva York ejecuta continuó siendo relativamente corto, con unas pocas excepciones, en comparación con Londres se ejecuta, hasta la década de 1920. Tours, sin embargo, a menudo extensa, comenzando con el elenco original de Broadway.
Mientras tanto, los musicales se habían extendido a los escenarios de Londres en los años noventa gay. George Edwardes había dejado la gestión de Savoy Theatre de Richard D'Oyly Carte. Él se hizo cargo del teatro de la alegría y, al principio, mejoró la calidad de las viejas parodias. Se dio cuenta de que el público quería una nueva alternativa a las óperas cómicas al estilo de Saboya y su desarrollo intelectual,, sátira política absurda. Él experimentó con un familiar de teatro musical moderno vestido, con, canciones populares, ventosos rápido, bromas romántica, y el espectáculo elegante al Gaiety Theatre de Daly y otros lugares,. Éstas se basaron en las tradiciones de la ópera cómica y también utilizaron elementos de burlesque y del Harrigan y Hart piezas. Volvió a colocar a las mujeres indecentes de burlesque con su cuerpo "respetable" de la danza, el canto alegría de las niñas para completar la diversión musical y visual. El éxito de la primera de ellas, en la ciudad en 1892 y una muchacha de la alegría en el año 1893, confirmó Edwardes en el camino que estaba tomando. Estos "comedias musicales", como él los llamaba, revolucionó los escenarios de Londres y marcó la pauta para las próximas tres décadas.
Alegría temprana Edwardes "hits incluyó una serie de la luz, romántico" pobre doncella ama aristócrata y gana él contra viento y marea "muestra, por lo general con la palabra" Girl "en el título, incluyendo The Girl Shop y una muchacha del fugitivo, con música de Ivan Caryll y Lionel Monckton. Estos shows fueron inmediatamente imitados en otros teatros de Londres, y la comedia musical eduardiana barridas las formas musicales antes de la ópera cómica y opereta. En el teatro del Daly, Edwardes presentan éxitos de comedia un poco más complejas. La Geisha por Sidney Jones, con letra de Harry Greenbank y Adrian Ross y luego Jones 'San Toy cada duró más de dos años y también tuvo gran éxito internacional, por ejemplo en las producciones australianas por JC Williamson.
La comedia musical británica Florodora por Leslie Stuart y Paul Rubens hizo un chapoteo en ambos lados del Atlántico, al igual que una luna de miel china, por el letrista británico George Danza y nacido en Estados Unidos el compositor Howard Talbot, que duró un impresionante 1.074 actuaciones en Londres y 376 en Nueva York. La historia trata de parejas que de luna de miel en China y sin querer romper las leyes que se besan. La belleza de Nueva York corrió para 697 actuaciones en Londres, después de una breve carrera de Nueva York, convirtiéndose en el primer estadounidense musical para ejecutar más de un año en Londres. Después de la vuelta del siglo 20, Seymour Hicks escribió espectáculos populares con el compositor Charles Taylor y otros, y Edwardes y Ross siguió batir hacia fuera éxitos como El Toreador, una chica de campo, la orquídea, las chicas de Gottenberg y Our Miss Gibbs. Otros éxitos de comedia musical eduardiana incluyen La Arcadia y la muchacha cuáquera.

Guerra Mundial y Opereta

Virtualmente eliminado de la fase de habla Inglés por la competencia de las omnipresentes comedias musicales eduardianas en la década de 1890, operetas regresaron a Londres y Broadway en 1907 con La viuda alegre y operetas y musicales se convirtieron en competidores directos por un tiempo. En los primeros años del siglo 20, las adaptaciones idioma Inglés del 19 operetas continental del siglo, así como operetas de una nueva generación de compositores europeos, como Franz Lehr y Oscar Straus, entre otros, repartidos a lo largo de los países de habla Inglés mundo. En Estados Unidos, Victor Herbert produjo una serie de operetas famosas, a menudo con el libretista Harry B. Smith, así como algunas obras de teatro musicales íntimas con un entorno moderno. En los países de habla Inglés, durante la Primera Guerra Mundial, la opereta en alemán perdió su popularidad.
Entre otros compositores y libretistas británicos y estadounidenses de la década de 1910, el equipo de PG Wodehouse, Guy Bolton y Jerome Kern se destacó. Siguiendo los pasos de Gilbert y Sullivan, su "Princess Theatre muestra" allanó el camino para el trabajo posterior de Kern, mostrando que un musical podría combinar la luz, el entretenimiento popular entre la continuidad entre su historia y canciones:
 "Estos programas construidos y pulen el molde de la que casi todos los grandes comedias musicales más tarde evolucionaron .... Los personajes y las situaciones eran, dentro de las limitaciones de la licencia de la comedia musical, creíbles y el humor provienen de las situaciones o de la naturaleza de los personajes. melodías exquisitamente fluyen de Kern fueron empleados para promover la acción o el desarrollo de la caracterización. La integración de la canción y la historia se anuncia periódicamente como un gran avance en el ... teatro musical. Gran ópera siempre ha hecho esto, y es fácil de demostrar como la integración en Gilbert y Sullivan y la ópera bufa francesa. Sin embargo, la comedia musical temprana era a menudo culpable de introducir canciones en forma de acertar o perder. Los musicales Princess Theatre provocaron un cambio de enfoque. PG Wodehouse, el más atento, culto e ingenioso letrista de su tiempo, y el equipo de Bolton, Wodehouse y Kern tuvieron una influencia que se puede sentir hasta nuestros días.
El público teatral de entretenimiento escapista necesario durante los oscuros tiempos de la Primera Guerra Mundial, y ellos acudieron al teatro. Harry Tierney y de Joseph McCarthy 1919 hit musical Irene corrieron para 670 actuaciones - un récord de Broadway que ocupó hasta Hellzapoppin de 1938. El público británico apoya mucho más tiempo corre como el de limpieza de las montañas y especialmente Chu Chin Chow. Su carrera de 2.238 actuaciones fue más del doble que cualquier musical anterior, estableciendo un récord que permaneció casi cuarenta años, hasta Salad Days. Revistas como The Bing muchachos están aquí en Gran Bretaña, y las críticas de Florenz Ziegfeld y sus imitadores en Estados Unidos, también eran extraordinariamente popular. Una nueva generación de compositores de operetas surgió en la década de 1920, como Rudolf Friml y Sigmund Romberg.
La primacía del teatro musical británica desde el siglo 19 hasta 1920 fue sustituida gradualmente por la innovación estadounidense en el siglo 20. Competidor y contraparte en los EE.UU. Edwardes 'fue Charles Frohman y su Sindicato Teatral. George M. Cohan y de espectáculos musicales de Herbert después del cambio de siglo dieron paso a los espectáculos Princess Theatre y una profusión de otros musicales como Kern y otros Tin Pan Alley compositores comenzaron a traer nuevos estilos musicales como el ragtime y el jazz de los teatros. Revistas populares de Florenz Ziegfeld generaron imitadores. Los Hermanos Shubert tomaron el control de los teatros de Broadway después de la guerra como nuevos autores como los hermanos Gershwin, Irving Berlin y Rodgers y Hart comenzó a producir espectáculos. Notas musicales de teatro escritor Andrew Lamb, "El triunfo de las obras estadounidenses más europea de las primeras décadas del siglo XX se produjo en un contexto social cambiante. Los estilos operísticos y teatrales de las estructuras sociales del siglo XIX fueron reemplazados por un estilo musical más acertadamente adaptado a la sociedad del siglo XX y su expresión vernácula. Era de América que el estilo más directo surgió, y en América que fue capaz de florecer en una sociedad en desarrollo menos rígido por la tradición del siglo XIX ".

Los violentos años veinte y la Gran Depresión

Los musicales de los años veinte, prestatarios de vodevil, music hall y otros entretenimientos ligeros, tendían a enfatizar los actores y actrices, estrellas grandes rutinas de baile, y canciones populares, a expensas de la trama. Típico de la década fueron producciones alegres como Sally, Lady Be Good, Sunny, no, no, Nanette, Oh, Kay;! Y Cara divertida. Mientras que los libros de estos programas pueden haber sido olvidables, se presentaron estrellas como Marilyn Miller y Fred Astaire y docenas producidas de canciones populares duraderas de, sobre todo, Jerome Kern, los hermanos Gershwin, Irving Berlin, Cole Porter, Vincent Youmans, y Richard Rodgers y Lorenz Hart. A lo largo de la primera mitad del siglo 20, la música popular estaba dominado por compositores de teatro musical y letristas. Estas musicales y las normas que producían, incluyendo "Ritmo Fascinante", "Tea for Two" y "Someone to Watch Over Me", se hizo popular en ambos lados del océano Atlántico.
Muchos espectáculos eran revistas, series de dibujos y canciones con poca o ninguna conexión entre ellos. El más conocido de éstos eran los Ziegfeld Follies anuales, canciones espectaculares y revistas de baile en Broadway con conjuntos extravagantes, trajes elaborados y hermosas coristas. Estas gafas también elevaron los valores de producción y montaje de un musical en general se encarecieron. Arrastrar los pies, un espectáculo a todo el continente americano fue un éxito en Broadway. En Londres, las estrellas como el Ivor Novello y Nol Coward hizo popular. Mientras tanto, operetas, que había estado casi ausente de la escena de habla Inglés desde la Primera Guerra Mundial, tuvo una última explosión de la popularidad, las obras de compositores europeos continentales tuvieron éxito, como lo fueron las de Sigmund Romberg y Rudolf Friml en Estados Unidos, que incluyó Rose -Marie y El príncipe estudiante respectivamente. El último golpe de opereta de la época en Broadway fue Romberg de la Luna Nueva en 1928.
Avanzando más allá de los musicales comparativamente frívolas y operetas sentimentales de la década, Show Boat, que se estrenó el 27 de diciembre 1927 en el Teatro Ziegfeld en Nueva York, representa una integración más completa del libro y la puntuación de los musicales Princess Theatre, con dramática temas contadas a través de la música, el diálogo, la configuración y el movimiento. Esto se logró combinando el lirismo de la música de Kern con el arte magistral de Oscar Hammerstein II, que adaptó la novela de Edna Ferber y escribió letras para el espectáculo. Un historiador escribió: "Aquí llegamos a un género completamente nuevo -. La obra de teatro musical que se distingue de la comedia musical ahora ... la obra era la cosa, y todo lo demás estaba subordinado a que el juego ahora ... vino la integración completa de. canto, humor y la producción de números en una entidad artística única e inextricable ". Sin embargo, Bordman argumenta, "Show Boat es ciertamente una opereta, con sus numerosos pasajes Arioso, su profundidad musical y seriedad, y su conjunto historia romántica, al estilo típico de la opereta, en el hace mucho tiempo y muy lejos." Sin embargo, como la Gran Depresión ocupa durante la gira nacional post-Broadway Show Boat, el público se volvió hacia la luz, de latón, entretenimiento escapista, y no de seguimiento se produjo el tratamiento tan en serio los temas sociales graves hasta Oklahoma! en el año 1943.
La película montado un desafío a los escenarios. Al principio, las películas eran silenciosas y presentan una competencia limitada al teatro. Pero a finales de la década de 1920, películas como El cantor de Jazz podrían presentarse con sonido sincronizado. Películas "Talkie" a precios bajos asesinados efectivamente fuera del vodevil a principios de los años 1930. El historiador John Kenrick comentó. "Top vaudeville estrellas filmado sus actos de una sola vez sobornos, inadvertidamente ayudando a acelerar la muerte de vaudeville Después de todo, cuando los teatros" pequeño tiempo "podrían ofrecer los artistas 'lo grande' en la pantalla en una moneda un asiento, que se puede pedir al público a pagar cantidades más altas para menos impresionante talento en vivo? "
 1930
La Gran Depresión afectó público teatral en ambos lados del Atlántico, ya que la gente tenía poco dinero para gastar en entretenimiento. Sólo unos pocos etapa muestra superó una carrera en Broadway o en Londres de 500 actuaciones durante la década.
Muchos programas siguen la canción ligera y el estilo de baile de sus predecesores 1920. La revista The Band Wagon protagonizó bailando socios Fred Astaire y su hermana Adele, mientras Anything Goes de Cole Porter confirmó la posición de Ethel Merman como la primera dama del teatro musical - un título que mantuvo durante muchos años. Escritores británicos como Coward Nol y Ivor Novello continuó proporcionando pasado de moda, musicales sentimentales, como los años de baile. Del mismo modo, Rodgers y Hart regresó de Hollywood para batir a cabo una serie de éxitos de Broadway, incluyendo On Your Toes, Babes In Arms, y los chicos de Siracusa, y Cole Porter escribió una cadena similar de éxitos, entre ellos todo vale y DuBarry era una dama . La pieza más larga duración del teatro musical de la década de 1930 fue Hellzapoppin, una revista con participación del público, que jugó en el 1404 actuaciones, estableciendo un nuevo récord de Broadway que fue finalmente derrotado por Oklahoma! cinco años más tarde.
Sin embargo, algunos equipos creativos comenzaron a construir en las innovaciones Show Boat, experimentando con la sátira musical, libros de actualidad y alcance operístico. Of Thee I Sing, una sátira política con música de George Gershwin y letra de Ira Gershwin y Morrie Ryskind, era el primer musical en recibir el Premio Pulitzer. Como miles Cheer, una revista de Irving Berlin y Moss Hart en el que cada canción o croquis se basó en un titular de prensa, fue la primera obra de Broadway en la que un afro-americano, Ethel Waters, protagonizó junto a actores blancos. Número de Waters incluyen "Time Cena", el lamento de una mujer por su marido, que ha sido linchado. Porgy and Bess, de los hermanos Gershwin y DuBose Heyward, ofrecieron un elenco africano-americano y se mezcla ópera, folk, jazz y modismos. Ha entrado en el repertorio de ópera permanente y, en algunos aspectos, que anunciaba las comedias musicales "de ópera" como West Side Story y Sweeney Todd. The Cradle Will Rock, con un libro y la puntuación de Marc Blitzstein y dirección de Orson Welles, era una pieza pro-sindical altamente política que, a pesar de la controversia que lo rodea, logró correr para 108 actuaciones. Richard Rodgers y Larry Hart Sería bastante derecha era una sátira política con George M. Cohan como Presidente Franklin D. Roosevelt, y el Holiday Knickerbocker de Kurt Weill, basada en los escritos de origen por Washington Irving, representan la historia temprana de la ciudad de Nueva York, mientras que buena naturalidad satirizando las buenas intenciones del presidente Franklin D. Roosevelt.
A pesar de los problemas económicos de la década y la competencia de la película, el musical sobrevivió. De hecho, la tendencia a la sátira política Of Thee I Sing, Sería bastante Holiday derecho y Knickerbocker, junto con la sofisticación musical de Gershwin, Kern, Rodgers y musicales Weill y la puesta en escena de ritmo rápido y de estilo de diálogo naturalista creado por el director George Abbott, demostró que el teatro musical estaba empezando a evolucionar más allá de los gags y coristas musicales de los años noventa homosexuales y locos años veinte y el romance sentimental de la opereta.

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Teatro Musical, Definiciones y alcance, Historia

El teatro musical es una forma de teatro que combina canciones, diálogos hablados, actuación y baile. La historia y el contenido emocional de la pieza - humor, patetismo, amor, ira - se comunican a través de las palabras, la música, el movimiento y los aspectos técnicos de la animación como un todo integrado. Aunque se superpone teatro musical con otras formas teatrales como la ópera y la danza, puede ser distinguido por la misma importancia dada a la música, en comparación con el diálogo, el movimiento y otros elementos de las obras. Desde el siglo 20, teatro musical obras escénicas en general han sido llamados, simplemente, los musicales.
Aunque la música ha sido parte de representaciones dramáticas desde la antigüedad, moderno occidental teatro musical surgió en el siglo 19, con muchos elementos estructurales establecidos por las obras de Gilbert y Sullivan en Gran Bretaña y los de Harrigan y Hart en Estados Unidos. Estos fueron seguidos por las numerosas comedias musicales eduardianas y las obras de teatro musical de los creadores estadounidenses como George M. Cohan. Los musicales de teatro Princess y otros programas inteligentes como Of Thee I Sing eran pasos artísticos a plazo más allá de revistas y otros entretenimientos espumosas del siglo 20 y dio lugar a obras tan innovadoras como Show Boat y Oklahoma!. Algunos de los musicales más famosos y emblemáticos a través de las décadas siguientes como West Side Story, The Fantasticks, Cabello, A Chorus Line, Les Misrables, The Phantom of the Opera, Rent, Los Productores y Wicked.
Musicals se llevan a cabo en todo el mundo. Pueden presentarse en grandes recintos, como el gran presupuesto de West End y Broadway producciones teatrales en Londres y Nueva York, o en menor teatro independiente, producciones regionales de teatro Off-Broadway o de gira, o por grupos de aficionados en las escuelas, teatros y otros espacios de actuación. Además de Gran Bretaña y América del Norte, hay escenas de teatro musical vibrante en muchos países de Europa, América Latina, Australia y Asia.

Definiciones y alcance

Reserve musicales

Desde el siglo 20, el "libro musical" ha sido definido como una obra de teatro musical donde las canciones y los bailes están plenamente integrados en una historia bien hecha con objetivos dramáticos serios que es capaz de evocar emociones genuinas que no sean la risa. Los tres componentes principales de un libro musical son la música, las letras y el libro. El libro o guión de un musical se refiere a la historia, el desarrollo del carácter y la estructura dramática, incluyendo el diálogo hablado y la dirección de escena, pero también puede referirse al diálogo y las letras entre sí, que se conoce como el libreto veces. La música y las letras forman la puntuación de un musical, pero la interpretación de un musical por su equipo creativo en gran medida influye en la forma en que se presenta un musical. Ese equipo incluye un director, un director musical, por lo general un coreógrafo y, a veces un orquestador. La producción de un musical también creativa caracterizada por aspectos técnicos, como la escenografía, el vestuario, accesorios de teatro, iluminación y sonido, que generalmente pasan de la producción original del éxito producciones. Algunos elementos de producción famosas, sin embargo, pueden ser conservadas de la producción original, por ejemplo, la coreografía de Bob Fosse en Chicago.
No hay ninguna longitud fija para un musical. Aunque puede variar de un corto de entretenimiento en un acto de una serie de actos y varias horas de duración, la mayoría de los musicales van desde una hora y media a tres horas. Musicals suelen presentarse en dos actos, con un breve intermedio y el primer acto con frecuencia mayor que la segunda. El primer acto generalmente presenta casi todos los personajes y la mayoría de la música, y con frecuencia termina con la introducción de un conflicto dramático o complicación trama, mientras que el segundo acto puede introducir algunas nuevas canciones, pero por lo general contiene reprises de importantes temas musicales y resuelve el conflicto o complicación. Un musical libro se construye generalmente alrededor de cuatro a seis grandes sintonías que se repitió más tarde en la serie, aunque a veces se compone de una serie de canciones que no están directamente relacionadas musicalmente. Diálogo hablado es generalmente intercalados entre los números musicales, aunque "cantada diálogo" o recitativo se pueden utilizar, especialmente en los llamados "cantado a través de" musicales como Jesucristo Superstar, Les Misrables y Evita. Varios musicales cortas en Broadway y en el West End se han presentado en un acto en las últimas décadas.
Los momentos de mayor intensidad dramática en un libro musical se realizan a menudo en la canción. Proverbialmente ", cuando la emoción es demasiado fuerte para la voz que canta, cuando llega a ser demasiado fuerte para la canción, que la danza." En un libro musical, una canción está muy bien elaborado para adaptarse a la personalidad y su situación dentro de la historia, aunque ha habido momentos en la historia de la música cuando esta integración entre la música y la historia ha sido tenue. Como New York Times el crítico Ben Brantley se describe el ideal de la canción en el teatro en la revisión de la reactivación de la Gypsy 2008: "No hay separación alguna entre canción y carácter, que es lo que sucede en esos momentos raros cuando los musicales se dirigen hacia arriba para alcanzar su ideal razones para estar. " Por lo general, muchos menos palabras se cantan en una canción de cinco minutos que se hablan en un bloque de cinco minutos de diálogo por lo tanto, hay menos tiempo para desarrollar drama en un musical que en una obra lineal de longitud equivalente, ya que un musical por lo general dedica más tiempo a la música que al diálogo. Dentro de la naturaleza comprimida de un musical, los escritores deben desarrollar los personajes y la trama.
El material que se presenta en un musical puede ser original, o puede ser adoptado o nacido de novelas, obras de teatro, leyendas clásicas, acontecimientos históricos o películas. Por otra parte, muchas obras de teatro musical de éxito han sido adaptados para películas musicales, como The Sound of Music, West Side Story, My Fair Lady y Chicago.

Las comparaciones con la ópera

El teatro musical está estrechamente relacionado con la forma de teatro de la ópera, pero los dos se distinguen por un peso de varios factores. Musicals generalmente tienen un mayor enfoque en el diálogo hablado, en el baile, en la utilización de diversos géneros de la música popular, y en la prevención de ciertas convenciones operísticas. En particular, un musical se realiza casi siempre en el idioma de su audiencia. Musicals producidos en Londres o Nueva York, por ejemplo, son siempre cantadas en Inglés, aunque fueron escritos originalmente en otro idioma. Mientras que un cantante de ópera es ante todo un cantante y sólo secundariamente un actor, un actor de teatro musical es a menudo un actor primero y luego un cantante y bailarín. Alguien que se lleva a cabo igualmente en los tres se conoce como una "triple amenaza". Compositores de la música para los musicales a menudo consideran que las exigencias vocales de roles con actores de teatro musical en la mente. Hoy en día, los grandes teatros musicales de parada general, el uso de amplificación de las voces cantantes de los actores de una manera que generalmente se desaprueba en un contexto de ópera.
Algunos trabajos han recibido tanto "teatro musical" y "producciones de ópera". Del mismo modo, algunas operetas de esa edad o óperas ligeras han tenido producciones modernas o adaptaciones que los tratan como los musicales. En algunas obras, estilos de producción son casi tan importantes como el contenido musical o dramática de la obra en la definición en la que el arte forman la pieza cae. Sondheim dijo: "Realmente creo que cuando algo toca Broadway es un musical, y cuando se juega en un teatro de ópera que es la ópera. Eso es todo. Es el terreno, el campo, las expectativas de la audiencia que la convierten en una cosa u otra. " Aunque este artículo se refiere principalmente a obras de teatro musical que son "no-ópera", el solapamiento se mantiene entre las formas operísticas más ligeros y musicales musicalmente más complejas y ambiciosas. En la práctica, a menudo es difícil distinguir entre los distintos tipos de teatro musical, como "obra musical", "musical", "opereta" y "opereta".

Otras formas

Hay varias tradiciones orientales de teatro que incluyen música, como la ópera china, la ópera taiwanesa, Noh y el teatro musical en la India, incluyendo el sánscrito drama, danza clásica india y Yakshagana. India, desde el siglo 20, producido numerosas películas musicales, conocidos como "los musicales de Bollywood", y en Japón una serie de musicales basados en Anime y Manga populares cómics se ha desarrollado en las últimas décadas. Versiones "menores" más corto o simplificadas de muchos musicales están disponibles para escuelas y grupos de jóvenes, y trabaja muy cortos creados o adaptados para la actuación de los niños a veces se llaman minimusicals.

Historia

Antecedentes del teatro musical

 Antigüedad a Edad Media
Los antecedentes del teatro musical en Europa se remontan al teatro de la antigua Grecia, donde se incluyen la música y la danza en escena comedias y tragedias en el siglo quinto antes de Cristo. Los dramaturgos Esquilo y Sófocles componen su propia música para acompañar sus juegos y coreografías de los bailes del coro. El tercio del siglo BCE comedias de Plauto romana incluía canciones y rutinas de baile realizado con orquestaciones. Los romanos también introdujo innovaciones técnicas. Por ejemplo, para hacer bailar los pasos más audible en grandes teatros al aire libre, los actores romanos virutas metálicas adjunto llamado "Sabilla" de su calzado escenario - los primeros zapatos de tap. En la Edad Media, el teatro en Europa consistía en su mayoría de viajar juglares y pequeñas comparsas realizan de artistas cantando y ofreciendo la comedia slapstick. En los siglos 12 y 13, los dramas religiosos, tales como el juego de Herodes y el juego de Daniel enseña la liturgia, establece en los cantos religiosos. Más tarde "autos sacramentales" fueron creados que contó una historia bíblica en una secuencia de piezas de entretenimiento. Varios vagones del desfile se movían por la ciudad, y un grupo de actores decían su parte de la historia. Una vez terminado, el grupo seguiría adelante con su carro, y el siguiente grupo llegaría a contar su parte de la historia. Estas obras se convirtieron en una forma autónoma de teatro musical, con formas poéticas a veces alternando con los diálogos en prosa y cantos litúrgicos. La poesía fue proporcionada con melodías modificadas o completamente nuevas.
 Renacimiento hasta la década de 1800
El Renacimiento europeo vio evolucionar hacia formas más antiguas commedia dell'arte, una tradición italiana, donde los payasos estridentes improvisaron su camino a través de historias familiares, y más tarde, la ópera buffa. En Inglaterra isabelina y jacobea juega con frecuencia incluyen música, con las actuaciones de los órganos, laúdes, violas y tuberías de hasta una hora antes y durante la ejecución. Obras de teatro, tal vez sobre todo las historias y tragedias más pesados, se rompen con frecuencia con una obra de teatro musical corto, tal vez derivan del intermezzo italiano, con música, chistes y bailes, o fueron seguidos por un afterpiece conocido como jigg, a menudo compuesto por escandalosa o diálogo calumnioso establece en melodías populares. Corte máscaras también se desarrollaron durante el período de Tudor que la música involucrados, bailando, cantando y actuando, a menudo con trajes caros y una escenografía compleja, a veces por un arquitecto de renombre como Inigo Jones, presentaron una alegoría deferente halagador para un mecenas noble o real. Ben Jonson escribió muchas máscaras, a menudo colaborando con Jones. William Shakespeare a menudo se incluye secciones masque-como en sus obras.
Las secciones musicales de máscaras se convirtieron en obras cantadas que son reconocibles como óperas inglesas, la primera suele ser pensado como William Davenant El cerco de Rodas, inicialmente dado en una presentación privada. En Francia, por su parte, Molière se volvió varias de sus comedias absurdas en espectáculos musicales con canciones y danza en el siglo 17. Su psique fue el modelo para la ópera Inglés de Thomas Shadwell, El Avaro producido en 1672. Davenant produjo The Tempest en 1667, que fue el primer juego de Shakespeare parcela a la música, y que luego fue adaptado por Shadwell en una ópera en 1674. Acerca de 1683, John Blow compuesta Venus y Adonis, a menudo considerado el primer verdadero ópera en idioma Inglés. Blow fue seguido por Henry Purcell y un breve período de Inglés ópera. Después de la muerte de Carlos II en 1685, Inglés ópera comenzó a caer fuera de moda.
En el siglo 18, dos formas de teatro musical fueron muy populares en el Reino Unido: las óperas de balada, como John Gay de la ópera del mendigo, que incluye letras escritas al ritmo de canciones populares de la época, y las óperas cómicas, con partituras originales y la trama sobre todo romántica líneas, al igual que Michael Balfe es la chica bohemia. Mientras tanto, en el continente, singspiel, Comdie en vodevil, opra comique y otras formas de entretenimiento musical luz estaban surgiendo. Otras formas de teatro musical desarrollado por el siglo 19, como el teatro de variedades, el melodrama, burlesque y el vodevil. Melodramas y burlettas, en particular, se han popularizado en parte porque la mayoría de los teatros de Londres fueron sólo licencia como salas de música y no se les permite presentar obras de teatro sin música. En cualquier caso, lo que se llama una pieza no necesariamente definir lo que era. El espectáculo de Broadway The Magic Deer anunciaba como "A Serio Comico Tragico Operatical histórico Tale Burletical Extravaganzical del Encanto".
La primera obra de larga duración grabado de cualquier tipo era la ópera del mendigo, que duró 62 presentaciones consecutivas en 1728 - Se necesitaría casi un siglo antes de la primera obra de teatro rompió 100 actuaciones, con Tom y Jerry, basada en el libro La vida en Londres y el registro pronto alcanzó 150 a finales de 1820. América colonial no tuvo una presencia significativa de teatro hasta 1752, cuando Londres empresario William Hallam envió una compañía de doce actores de las colonias con su hermano Lewis como su manager. Establecieron un teatro en Williamsburg, Virginia, y se abrió con El mercader de Venecia y El Anatomista. La empresa se trasladó a Nueva York en el verano de 1753, la realización de balada-óperas como La Opera mendigos y balada-farsas como Damon y Phillida. Por la década de 1840, P.T. Barnum estaba operando un complejo de entretenimiento en el bajo Manhattan. Theatre en Nueva York se trasladó del centro gradualmente a centro de todo 1850, buscando más baratos los precios de bienes raíces, y no llegó a la zona de Times Square hasta los años 1920 y 1930. De Broadway en primer lugar "a largo plazo" musical fue un 50 resultados hit llamado The Elves en 1857 - Nueva York corre seguido estando muy por detrás de los de Londres, pero "Burletta musical" de Laura Keene Seven Sisters rompió anteriores registros de Nueva York con una tirada de 253 actuaciones.

 Fuente: http://centrodeartigo.com/articulos-para-saber-mas/article_52672.html

Bailes Rusos

Bailes tradicionales rusos

 

El baile es una modalidad de expresión corporal y artística muy arraigada en la conciencia y las tradiciones populares rusas. Es prácticamente imposible enumerar la cantidad de diferentes bailes y danzas que existían en la Rusia antigua y los que siguen existiendo hasta hoy día. Llevan nombres muy diferentes según la canción con la que se baile (por ejemplo, la denominación de los bailes seni y kamárinskaya provienen de sendas canciones con el mismo nombre; seni en ruso significa parte de la antigua casa rusa entre la entrada y el salón; y kamárinskaya recibió su nombre por un distrito rural en la Rusia zarista cerca de la actual provincia de Moscú), por la cantidad de bailarines (párnaya, por parejas, chetviórka de cuatro) y algunas veces por el dibujo del baile (pleten, de seto; vorotzá, de vorota, puertas grandes). Pero todos estos bailes tan diferentes en su modalidad interpretativa tienen algo en común, algo muy propio de cualquier baile típico ruso: la amplitud de movimiento, el arrojo, una especial jovialidad, poesía, combinación de modestia y simplicidad con un gran sentido de la propia voluntad.
El baile ruso no es símbolo del pasado. Todas sus formas —jorovod, kadril, etc.— existen hasta hoy, en un proceso de transformación continua de acuerdo con las exigencias de la vida contemporánea. Sus movimientos revelan las líneas del carácter nacional ruso. La danza originaria expresa la fuerza y el poder del hombre ruso, su valentía y coraje, ingenio, atención y respeto hacia la mujer. Para las danzas femeninas son propias la ligereza y suavidad, seriedad y modestia, rigurosidad y sencillez, una noble continencia en la expresión de sentimientos y de su propia dignidad, algunas veces vivacidad, gracejo y coquetería que no llegan a ser melindrosos. El arte nacional del baile ruso se basa en los juegos populares, antiguas ceremonias, canciones y corros.
Las crónicas y obras literarias antiguas del siglo XI describen bailes populares rusos.
La adopción del cristianismo contribuyó al desarrollo de la cultura y el arte popular. Para el desarrollo de la danza ha sido muy importante la labor de los skomoroji, artistas callejeros que viajaban y se compenetraban con las peculiaridades artísticas de los habitantes locales en diferentes zonas del país. De este modo el skomoroshestvo (juglaría) en la Rusia antigua desempeñó un papel crucial en la formación de la coreografía popular. Precisamente en aquellos tiempos aparecieron las formas escénicas de los bailes populares.
A mediados del siglo XVI el aumento de la influencia religiosa en la vida seglar repercutió negativamente en el arte popular. Viendo en las danzas populares reminiscencias del paganismo, la Iglesia contuvo a los músicos, los bailarines y los cantantes. En el siglo XVII el zar Alejo I promulgó un decreto que posibilitó las represalias contra los skomoroji. Pero ninguna prohibición podría “ahogar” el amor de la población por los bailes y los cantos que continuaban viviendo con el pueblo y desarrollándose prolijamente.
El siglo XVIII es la época relacionada con el nombre de Pedro I, el incansable reformista. Durante aquel período tuvieron lugar profundas transformaciones en la cultura y con estas el baile adquirió un carácter más laico. Mientras tanto los bailes populares no solo se conservaban, sino que desarrollaban nuevas formas.
Tras la Revolución de Octubre de 1917 comenzaron a proliferar nuevas manifestaciones del arte coreográfico en compañías profesionales o colectividades de aficionados. La afición artística fue un peculiar continuador y sucesor de la tradición. Si anteriormente los bailes rusos se interpretaban durante las fiestas, juegos populares y bodas, desde aquel momento empezaron a ocupar un lugar muy importante en el repertorio de teatros profesionales.
Baile de los osos
Hay evidencias de que la primera mención de este baile ruso data del año 907, cuando el príncipe Oleg, el Previsor, celebraba su victoria contra los bizantinos en la ciudad de Kiev. Durante la fiesta para los numerosos huéspedes actuaron 16 bailarines vestidos de osos y cuatro osos vestidos de bailarines.
Prisiadka
Se dice que en 1113 en Kiev falleció repentinamente el gran príncipe Sviatopolk y que comenzó una época de desórdenes, robos y saqueos en el país.
El albañil Piotr Prisiadka trabajaba mucho en cuclillas con piedras pesadas e instrumentos en sus manos encallecidas. Cada tarde tras su ardua jornada de trabajo salía a la calle y, tras tomarse un vino y un kalach, empezaba a dar saltos para desentumecer las piernas.
Una vez Vladímir Monomaj, invitado por los ciudadanos de Kiev para el reinado, lo vio dando saltos, se paró y lo mostró al metropolita Nikífor. Al cabo de unos días Piotr ya bailaba para el propio príncipe de toda Rusia cada desayuno, comida y cena.
Bailar dando saltos, prisiadka, en poco tiempo llegó a ser un baile de moda en la ciudad. Eso sí, cuando Monomaj falleció en 1126, Piotr volvió a sus labores. Prisiadka murió siendo viejo dando comienzo con su nombre al movimiento más famoso del baile tradicional ruso.
Trucos del baile nacional ruso
Con frecuencia se considera que los saltos singulares y la gesticulación enérgica de los danzarines rusos son consecuencia del clima frío de un país nórdico. Prisiadka, kozá (cabra), raznozhka (de nozhka, pie), chort (diablo), pistolet (pistola), koltsó (anillo), bochónok (barril pequeño) y otros fueron inventados por los rusos exclusivamente para entrar en calor.
Esa teoría podría tener su justificación ya que la mayoría de las fiestas tradicionales rusas se celebraban en otoño e invierno, cuando finalizaban las labores del campo. La alegría empezaba con una oración, después una bebida abundante con comida, cantos y bailes y para finalizar se realizaba un pugilato (pelea “muro contra muro” entre los varones).
Bufones y oratorio
Con Iván el Terrible, un zar conocido por su carácter severo y su amor al arte, empezó a ser común tener en la corte bufones, cantantes, tañedores de guzla y bailarines. Los artistas tenían el mismo rango que los cocineros o caballerizos.
Arte académico y popular
Cuanto más ricos se hacían los zares rusos y los grandes señores feudales, mayores eran las distancias entre el arte popular y el arte cortesano o académico. En los siglos posteriores a la Rusia de los zares las divas de la ópera no se dignaban a saludar a las cantantes populares, y los bailarines de ballet no daban la mano a los artistas populares. Tal marginación la intentaron cambiar muchas personalidades de la cultura, por ejemplo los compositores Chaikovski, Glinka o Pájmutova que introducían en sus óperas y ballets elementos de melodías populares.
Compañías profesionales
En la época soviética tras la Revolución de 1917 el gobierno bolchevique empezó a asignar fondos a la organización y difusión de compañías profesionales de bailes populares. En 1937 hizo su aparición el primer colectivo profesional de bailes populares bajo la dirección de Ígor Moiséyev, el mejor elenco académico de estas características. En sus búsquedas interpretativas la compañía se basaba en la libre improvisación y la audacia del folclore.
Entre las numerosas compañías, existe otro colectivo digno de mencionar: Bárynia (se considera uno de elencos musicales y coreográficos populares que cosechan más éxitos en el extranjero) cuya virtuosidad ha llegado hasta tal punto que al salir al escenario los artistas no saben con exactitud lo que interpretarán, el resultado artístico es siempre una improvisación espontánea.
El desarrollo del baile ruso evolucionó en tres direcciones: los corros (jorovody), danzas de carácter improvisado y bailes con rigurosas secuencias de diferentes figuras.
Los corros
Los corros (jorovody) como tipo de baile ruso son muy variados. Su rasgo característico es la combinación de movimientos de gran cantidad de participantes con una canción y a veces con la interpretación por papeles del contenido de la música. Hay un gran número de canciones de corro que de forma viva y polifacética reflejan la actividad laboral del campesino y toda su vida cotidiana y festiva. Existen corros sobre cómo se debe labrar, elegir al novio o a la novia, sobre las relaciones de pareja. Otros corros se distinguen por su carácter burlesco o satírico ya que ridiculizan a los vagos, holgazanes, borrachos, chismosos, etc.
Lo más frecuente es que los corros se construyan haciendo en círculo donde los participantes se agarran de la mano o de las puntas de los pañuelos. Los actores más importantes se colocan en medio de un círculo e interpretan las canciones que acompañan la danza.
Aparte de los interpretativos, también existe otra variedad donde la música solo sirve de acompañamiento. En estos casos, el corro gira, aunque a veces los movimientos son más complejos: se añaden elementos como el paso serpentino, “de ocho”, diferentes pasajes y movimientos corporales complicados. Por supuesto, los antiguos corros rusos se granjeaban la admiración y el cariño de la gente ya que embellecían la monótona y sufrida vida de la población. Se diferenciaban por las épocas del año, por el calendario laboral y festivo y por los estratos sociales.
Los jorovody rusos se han conservado prácticamente en todas partes del país hasta hoy día, contando además cada región con sus peculiaridades. De los corros de la parte norteña (la provincia de Arjánguelsk) es propia una gran rigurosidad y hasta una notoria austeridad de movimientos. Las mujeres se mueven ligeramente, como deslizándose, con la mirada baja, atreviéndose a mirar al hombre solo cuando finaliza el baile.
Los de la zona central de Rusia (de las provincias de Moscú, de Riazán, y Vorónezh) se diferencian por una mayor vivacidad, libertad y variedad de movimiento. En medio del corro puede haber bailes, lo que obliga a los danzarines a moverse con mayor rapidez.
En las provincias del sudoeste (de Kursk, de Briansk, de Oriol) están muy extendidos los llamados karajody que son bailes colectivos. El acompañamiento no son canciones, sino música, y los músicos se encuentran dentro del círculo e interpretan las melodías más populares de la región. Los bailarines se distribuyen en parejas o en tríos y, sin cogerse de la mano, se mueven en sentido de las agujas del reloj. Cada pareja o troika (grupo de tres bailarines) es totalmente independiente. Las jóvenes bailan una frente a la otra y dan vueltas marcando un ritmo preciso, algunas veces dando pequeños saltos. Si la pareja está formada por un chico y una chica, la última normalmente va delante de él, girándose hacia su pareja de vez en cuando.
Danzas improvisadas
Además de los jorovody en la vida del pueblo ruso también eran y siguen siendo muy populares las danzas de carácter improvisado que carecen de una sucesión de figuras y movimientos determinada. Dependiendo de la cantidad de participantes, el baile puede ser individual, en pareja o en grupo. El baile en pareja con la participación de hombres y mujeres muestra las peculiaridades características del baile femenino y masculino. Los hombres, cuyos movimientos se diferencian por una gran fuerza, habilidad y ardor, bailan intentando mostrar estas cualidades mediante la precisión del taconeo y la maestría de palmas y prisiadki. La chica se mueve modestamente, con paso liviano, algunas veces agitando con gracia el pañuelo, otras veces compitiendo con su compañero en la complicidad de trucos de baile.
Uno de los tipos de baile popular más tradicional es el perepliás que según muestra el propio nombre (el prefijo ruso pere tiene el significado “más”, y la raíz plias significa baile) es una competición en la virtuosidad de movimiento, fuerza, habilidad e inventiva. Es una danza peculiar con mucho ardor, en ocasiones humor. En la antigüedad solo participaban hombres, que por turnos mostraban su vigorosidad y maestría corporal. En los actuales actúan no solo varones, sino también mujeres. Se considera ganador el que no solo es capaz de repetir el ingenioso giro de su rival, sino el que además lo interpreta a su manera o de forma más complicada.
Estas danzas improvisadas se suelen aprender desde la niñez, cuando los pequeños con entusiasmo observan bailar a los mayores. A veces para ello hay que viajar decenas de kilómetros para poder ver bailarines profesionales.
Bailes tradicionales
A diferencia de las danzas populares, lo bailes rusos suelen tener cierto orden de diferentes figuras y en cada figura los movimientos están preestablecidos. De los bailes rusos los más extendidos son: kadril, con sus múltiples variaciones; lance, parecido al primero; meteliza, (de metel, ventisca), balalaiki (del famoso instrumento musical de cuerdas ruso); válenki (botas de fieltro para el invierno), sibírskaya poteja (regocijo siberiano), polianka (prado), polca, matrioshki (de las típicas muñecas rusas), zhuravel (grulla), venzeliá (serpenteo), etc.
Además en cada región del país existen bailes típicos específicos como gusachok (ganso pequeño), más propio de la provincia de Smolensk; chíjik (el pájaro pardillo), en la provincia de Arjánguelsk; timonia, en Kursk; tolkusha, en la provincia de Leningrado; podgorka (bajo la montaña), en Siberia.
La kadril rusa, que la población fue creando durante décadas en cada localidad, tiene sus rasgos peculiares, su “dibujo” y su carácter singular de movimientos. Existen variadas figuras que se interpretan con canciones o con el uso de acordeón, además a cada figura de baile le corresponde su propia melodía. En el proceso de su desarrollo la popular danza ha ido cambiando de forma y contenido.
El traje tradicional
En la realización del baile popular es muy importante el vestuario que se crea a parir del traje tradicional, aligerándolo al máximo para que sea más cómodo para los artistas. El vestuario ruso es muy bonito, de colores vivos y decorado con abundantes bordados.
Los trajes son muy diferentes. No solo cada provincia sino cada localidad, por pequeña que sea, se diferencia por la combinación de colores, por los cortes de los sarafany (traje tradicional ruso, largo, sin mangas), por la forma del gorro y tocado (por ejemplo el kokóshnik, antiguo tocado de la mujer rusa), o de los arabescos. Las mujeres solían hacerse una trenza con diferentes cintas y lazos.
Los hombres también se vestían con elegancia (camisas con bordados y de diferentes colores, entre los cuales el rojo y el blanco son los más populares, los tejidos de los cinturones también son muy variados). Los pantalones se hacían de lienzo con dibujos y arabescos.
El baile militar
En el Ejército hasta hoy día (aunque ahora ya no tanto) es muy popular el baile. Ya en el siglo XIX cada regimiento regular tenía su propio coro y grupo de baile. Las subdivisiones solían competir no solo en las formaciones de combate, esgrima y tiro, sino también en el baile. La tradicional danza se conservaba con esmero y se mostraba a los superiores en las actuaciones oficiales.
Durante la guerra civil la danza seguía existiendo en el ejército (tanto en el “rojo” comunista, como en el “blanco” zarista). Muchos ataques se realizaban bajo la música del acordeón, lo que ayudaba e inspiraba mucho en el momento difícil de combate.
Una de las danzas más famosas es la de los marineros, el llamado yáblochko, de la palabra yábloko, manzana, por el estribillo de la popular canción. Una vez el baile hubo entrado en el mundo del mar, se transformó en el baile más querido de los marineros. La unión de la colectividad formó una buena base para conservar y traspasar la costumbre de este baile, enriqueciendo constantemente su tradición coreográfica.

Fuente: http://rusopedia.rt.com/cultura/danza/issue_208.html

Siete cosas que no sabías sobre la danza

Siete cosas que no sabías sobre la danza

Los bailarines también entrenan mentalmente
Hace unos años, un equipo de investigadores de la University College London (UCL), en Reino Unido, descubrió que en nuestro cerebro existe un "sistema espejo" que responde de forma diferente cuando vemos a un bailarín hacer una pirueta según estemos entrenados o no para ejecutar ese movimiento. Las neuronas que lo forman están "afinadas" para el repertorio de movimientos propio de cada individuo. Una de las principales conclusiones del hallazgo, según sus autores, es que atletas y bailarines podrían continuar entrenando mentalmente cuando sufren una lesión física.

Los genes de la danza
Tras analizar el código genético de distintos profesionales de la danza, en la Universidad Hebrea de Jerusalén han encontrado diferencias importantes en dos genes: el gen encargado de codificar el transportador de la serotonina, un neurotransmisor que entre otras cosas contribuye a la experiencia espiritual, y un receptor de la hormona arginina-vasopresina, que según estudios recientes modula nuestra capacidad de comunicación social. "Ambos son genes vinculados al aspecto emocional del baile" puntualiza Richard Ebstein, coautor del estudio.

Inteligencia relacionada con el movimiento corporal
Junto a la inteligencia lingüística, la musical, la lógica/matemática, la espacial, la intrapersonal, la interpersonal o la espiritual existe una inteligencia corporal o cinestésica, que puede definirse como la habilidad para controlar los propios movimientos corporales y manipular objetos con cierta maña. Este tipo de inteligencia, según Howard Gardner, es la que está detrás de la capacidad del bailarín para "ver-y-hacer", transformando una imagen visual dinámica o ciertas órdenes sonoras en una acción física.
Bailar samba debería formar parte del entrenamiento de los futbolistas
Un equipo de investigadores japoneses ha llegado a la conclusión de que bailar samba, una danza brasileña con raíces africanas, favorece un control del cuerpo que puede mejorar las habilidades motoras en actividades tan dispares como tocar un instrumento de percusión o jugar al fútbol. Según el doctor Tomoyuki Yamamoto y sus colegas del Insitito Avanzado para la Ciencia y la Tecnología de Japón, "ejercitar el movimiento de las caderas es esencial para mejorar la movilidad de otras zonas del cuerpo", posiblemente debido a la proximidad de esta zona a nuestro centro de gravedad corporal. Por eso decidieron probar a entrenar a jugadores de fútbol bailando samba. El resultado: una importante mejora del rendimiento deportivo. Lo próximo, dice Yamamoto, será probar los efectos de otros bailes en los deportistas.

Nuestros antepasados también danzaban
Geoffrey Miller, psicólogo evolutivo de la Universidad de Nuevo México (EE UU), cree que "música es lo que ocurre cuando un simio antropoide tropieza y entra en el paraíso evolutivo de la selección sexual desbocada, de la exhibición acústica compleja". El autor cree que cantar y bailar formaban un conjunto de rasgos indicadores para nuestros antepasados cuando escogían pareja, especialmente para las hembras. El baile y el canto ponían de manifiesto la buena forma física, la coordinación, la fuerza y la salud.

El baile puede ser terapéutico
Científicos de la Universidad de Missouri (EE UU) han llegado a la conclusión de que bailar puede ser terapéutico al alcanzar la tercera edad, ya que mejora considerablemente el equilibrio y reduce el riesgo de caídas y lesiones.

Existen coreografías basadas en las matemáticas del caos
En los años noventa una estudiante de ingeniería del popular Instituto de Tecnología de Massachussets (MIT), Diana S. Dhabi, decidió utilizar las matemáticas del caos para componer música a piano. Siguiendo su ejemplo, los científicos norteamericanos Elizabeth Bradley y Joshua Stuart han creado recientemente varias secuencias de movimientos basadas en el caos partiendo de piezas clásicas. Incluso han desarrollado una versión caótica del popular baile asociado a la canción Macarena. Y todo a través de un software original desarrollado por ellos mismos, el Chaographer. El resultado es una danza original y "agradable para la vista", aseguran. Además de que ?enseñar estos resultados en clase es una forma muy efectiva de motivar a los estudiantes para que aprendan más sobre las matemáticas del cuerpo rígido y el caos?.

Fuente: http://www.muyinteresante.es/ciencia/articulo/siete-cosas-que-no-sabias-sobre-la-danza

Historia de la precursora de la danza moderna

Sus pasos descalzos cambiaron la danza

Cada vez que me enredo con la bufanda o los cables de los auriculares no puedo evitar pensar en Isadora Duncan y hacer una broma de humor negro. Desde muy pequeña me impactó el relato sobre la escena que le quitó el aire para siempre. Sé que vi algún ballet que lo contaba. Creo que era una creación de Maurice Bejart para Maya Plisetskaya.

Pero no tengo pruebas.

Cuando anduve por París unos años atrás no pude evitar ir en busca de su tumba en el Cementerio de Père-Lachaise, mientras otros buscaban la de Jim Morrison.
Pero en verdad soy de las que prefiere acordarse de la gente en el día que nació. Isadora nació un 26 de mayo de 1877.  Si todos fuéramos eternos, hoy cumpliría 137 años.
En los 50 años que anduvo pisando el planeta tierra, sus pies la trajeron a Buenos Aires en 1916. Nosotros llevábamos apenas 100 años como país independiente. No todos entendieron tanta independencia en un cuerpo de mujer. Y así lo cuenta Eduardo Galeano en Memoria del Fuego III: El siglo del viento.

1916-Buenos Aires

Descalza, desnuda, apenas envuelta en la bandera argentina, 

Isadora Duncan baila el himno nacional.

Una noche comete esa osadía, en un café de estudiantes de Buenos Aires y a la mañana siguiente todo el mundo lo sabe: el empresario rompe el contrato, las buenas familias devuelven sus entradas al Teatro Colón y la prensa exige la expulsión inmediata de esta pecadora norteamericana 

que ha venido a la Argentina a mancillar los símbolos patrios.

Isadora no entiende nada. Ningún francés protestó cuando ella bailó la Marsellesa con un chal rojo por todo vestido. Si se puede bailar una emoción, si se puede bailar una idea, 

¿por qué no se puede bailar un himno?

La libertad ofende. Mujer de ojos brillantes, Isadora es enemiga declarada de la escuela tradicional, el matrimonio, la danza clásica, y de todo lo que enjaule al viento. 

Ella baila porque bailando goza, y baila lo que quiere, cuando quiere y como quiere, 

y las orquestas callan ante la música que nace de su cuerpo.

Esta mujer libre dejó muchas huellas en la danza mundial. Algo de su estilo nos llega hasta hoy a través de del coreógrafo inglés Frederick Ashton, que creó una versión "isadoresca" de unos bellos valses de Brahms.
La directora del English National Ballet, Tamara Rojo nos trajo su emoción al Teatro Colón, en 2013.

Fuente: http://sobresaltosypasos.blogspot.com/2014/05/sus-pasos-descalzos-cambiaron-la-danza.html

Bailarines famosos de la danza moderna

 Bailarines famosos de la danza moderna

Isadora Duncan (1877-1927)

La gran Isadora Duncan era una bailarina innovadora, coreógrafa, maestra de baile, pensadora y feminista. Es una de las principales precursoras de la danza moderna, y por eso, muchos la han bautizado con el nombre de “Madre de la Danza Moderna”. .
A principios del siglo XX, Isadora Duncan, desarrolló una nueva forma de baile que rompió con todos los conceptos de baile que existían hasta ese momento.
Duncan rechazó las estructuras,los pasos y posiciones del ballet clásico. En vez, se inspiró en el arte clásico griego y en la naturaleza para crear una manera de bailar que se basa en movimientos naturales y libres.
Duncan creía firmemente que la bailarina como creadora debía expresar lo que sentía desde adentro, y no seguir movimientos impuestos desde afuera. Esta visión sigue vigente hoy en día en las diferentes vertientes de la danza moderna y contemporánea.

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2.  Mary Wigman (1886-1973)

Mary Wigman es considerada una de las figuras más importantes en la historia de la danza moderna en Europa. Natural de Alemania, Wigman era bailarina, coreógrafa y maestra de baile.
A principios del siglo XX, Wigman creó la danza expresioniosta. Este tipo de danza moderna expresaba las percepciones y sentimientos del bailarín mediante un lenguaje dancístico orgánico.
Wigman pensaba que en la danza no existen movimientos feos ni grotescos, si no movimientos que nacen de un ritmo natural de las emociones. Veía la danza como una expresión de catarsis cuyos movimientos y formas surgen como consecuencia de un proceso emocional.
La danza expresionista de Mary Wigman es una de las principales influencias en el desarrollo de la danza moderna en Europa. Su filosofía de danza también ejerce cierta influencia en la danza moderna americana, mediante la labor de algunas de sus discípulas como Hanya Holm.

3.  Hanya Holm (1983-1992)

Hanya Holm, bailarina, coreógrafa y maestra de danza, es una de las bailarinas famosas de la danza moderna más destacadas. Formó parte de los Big Four”, los cuatro fundadores de la danza moderna norteamericana. Era natural de Alemania, donde estudió con Mary Wigman. .
A principios de los años 30, Holm se muda a la ciudad de Nueva York. Se hace cargo de la la New York Wigman School of Dance, una escuela de danza dedicada a enseñar la técnica de Wigman y las teorías y principios de Laban. .
Holm enfatizaba la libertad y la fluidez de los movimientos del torso y la espalda. Su técnica se basaba en los principios de movimiento de la fisca y usaba la improvisación. Le daba más importancia a lo que un bailarínpudiera ocmunicar a nive l coreograifo que al virtuosismo. .
Holm también se destacómo como una gran coreógrafa. Su obra Metropolitan Dialy fue la primera coreografía de danza moderna que se transmitió por televisión. Trabajó como coreógrafa en los musicales de Broadway. .

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4.  Martha Graham (1894-1991)

Martha Graham es considerada la bailarina más importante del siglo XX. Su contribución dancística ha tenido una influencia tan grande en la danza moderna como la de Picasso en el arte moderno. Por eso, la llaman la Picasso de la danza.
Graham es una principales pioneras de la danza moderna americana. Como bailarina, coreógrafa y maestra de danza, Graham desarrolló un lenguaje dancístico que expresa las emociones humanas, muy diferente al ballet clásico.
Graham se aleja de la fluidez y cualidades aéreas del ballet. Crea una danza moderna cuyos movimientos se enraizan en la tierra. Se concentra en las cualidades de “contraer” y “soltar”. En su danza, los movmientos cortantes, angulares, inconexos y trémulos expresan las emociones humanas más fuertes.
Hoy en día la ténica de Martha Graham es uno de los principales fundamentos de la danza moderna. La compañía de baile Martha Graham es la compañía de baile más antigua de Estados Unidos.

5.  Doris Humphrey (1895-1958)

La bailarina y coreóografa Doris Humphrey es una de las principales figuras de la danza moderna. Es una de los “Big Four”, los cuatro grandes bailarines que establecieron los fundamentos de la danza moderna norteamaricana. .
En los años 30, Humphrey creó coreografías basadas en los sucesos del momento. Junto al bailaríny coreográfo Charles Weidman, fundó una compañia de danza moderna que llevó sus obras por todo el país estadounidense. .
La obra dancística de Humphrey explora los principios de la gravedad en el movimiento, las caídas y la recuperacióon. Ensu técnica se trabaja en armonía con la respiración. .
Hoy en día las coreografías de Humphrey se estudian en los programas de danza moderna y se siguen presentando. .

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6.  Charles Weidman (1901-1975)

Charles Weidman es uno de los bailarines famosos de la danza moderna norteamericana más importantes. Era bailarín, coreógrafo, y maestro de danza. Era uno de los “Big Four” que establecieron las bases de la danza moderna en Estados Unidos. .
Weidman creó un estilo de danza completamente nuevo. Se alejó del ballet y también de los principios de danza que aprendió en la escuela de danza Denishawn. .
Su interés era crear una danza que reflejara la experiencia humana norteamericana. En 1929 fundó una compañía de danza con la bailarina y coreógrafa Doris Humphrey donde empezó a desarrollar su obra . .
El lenguaje dancístoco de Weidman está basado en la fuerza de gravedad y su efectos en los movimientos. Su trabajo incorpora mucho trabajo de suelo, saltos y caídas y suspensiones. Las coreografías de Weidman se distinguen por ser bien expresivas y expresar una gran variedad de emociones humanas. .

7.  Katherine Dunham (1909-2006)

Bailarina, coreógrafa, autora, educadora, antropóloga y activista social, Katherine Dunham es conocida como la “Matriarcha y Reina Madre de la Danza Negra”. Es pionera de la danza moderna africano-americana. .
A partir de los años treinta, Dunham se dedicó a estudiar las danzas étnicas del Caribe, especialmente de Haitíí. Incorporó estas tradicines dancísticas en más de 40 coreografías que presentó durante el trascurso de su vida en Estados Unidos, Europa y Latinoamérica. Sus obras son consideradas las primeras danzas moderna africano americanas. .
Dunham originalmente era bailarina de ballet. En su técnica de danza, la Técnica Dunham, Dunham integró los movimientos africanos y caribeños a las técnicas de ballet y danza moderna. .
La Técnica Dunham todavía se conserva hoy en día. Se estudia como uno de los fundamentos más importantes de la danza moderna norteamericana. .
Katherine Dunham también fue una líder y pionera en el campo de la antropología de la danza. .

8.  Erick Hawkins (1909-1994)

Erick Hawkins, bailarín y coreógrafo, es uno de los bailarines famosos de la danza moderna que más inflencia sigue teniendo en la danza moderna actual. Es conocido como el padre del “free flow”. .
A finales de los años treinta, Hawkins se unió a la compañía de Martha Graham (con quien estuvo casado varios años). Es ahí donde se empieza a hacer famoso como bailarín. Bailó con esta compañia durante más de 10 años. .
En los años cincuenta Hawkins fundó una compañía de baile y una escuela de danza, y empezó a crear su propio estilo da danza. Hawkins pensaba que la danza debía integrar el cuerpo, la mente y el alma. Esta filosofía se refleja tanto en su obra dancística como en su técnica de danza. .
En las coreografías de Hawkins los bailarines se mueven casi sin esfuerzo y tensión muscular. Hawkins veía la danza como una meditación.
El gran legado de Hawkins se encuentra en su técnica de danza. La Técnica de Erick Hawkins ha tenido una gran influencia en la historia de la danza moderna. Los maestros de danza moderna y los bailarines todavía usan esta técnica en sus coreografáis y clases de baile. . 

Fuente: baile.about.com/od/Bailarines-famosos/tp/8-Bailarines-Famosos-De-La-Danza-Moderna.htm